在纽约罗德岛设计学院继续教育项目(RISD CE)的插画课堂上,林子菡正带领学生以墨水为媒介,探索图像叙事的可能性。她教授的钢笔插画课程,从基础技法入手,逐步引导学生深入自我感受的视觉表达过程——构图、节奏与留白,在她看来,最终目标是画出一张“会说话的图”。
“我希望学生明白,图像不只是元素的组合,而是一种情绪的连接。”她说。
这门课程是自然科学插画方向的核心课程之一。除了教学内容,她还亲自设计课程结构与授课方式,将“从感知出发”的叙事理念深植其中。每一个项目,学生都从一个细微的情绪、一段碎片化的记忆出发,通过墨水与水彩的色彩选择、钢笔笔触的控制,将难以言说的经验转化为可视的图像。
林子菡的教学风格注重方法论与个体化表达的结合。她鼓励学生打破模板式构图与流行化风格,在技法训练的基础上发展个人语言与叙事思维。“我不是要学生学会像谁,而是学会像自己。”她说。这一教学理念也获得了广泛认可。她的课程长期满员,在学生评估中,超过95%的学生给予了五分制的满分评价,充分肯定了她在插画教学中的感染力与引导力。
林子菡进行范画
教育与创作并进:让图像成为人际情绪的桥梁
作为自由插画师,林子菡始终将教学与创作视为彼此滋养的过程。她认为,在教室中面对不同背景的学生,是促使她不断重塑视觉语言的机会;而项目实践中获得的叙事经验,也反过来丰富了她的课堂内容,使课程始终紧贴实际创作语境。
她的作品曾多次获得国际插画奖项认可,包括 3×3 International Illustration Awards、AI-AP (American Illustration–American Photography)、Illustration West 以及 Creative Quarterly等国际知名奖项,并被收录于《3×3 年鉴》《Arts to Hearts Magazine》等艺术专业出版物。
青蛙树,收录于3×3 International Illustration Awards NO.20年鉴
在原创绘本《破碎的缸》中,她以青花瓷为灵感,讲述一位年轻陶工从复制走向原创的内在转变,并通过青绿、钴蓝、象牙白等经典陶瓷釉色构建画面节奏。该书入选 AI-AP American Illustration 44,并于纽约 Sunnyday 艺术节展出。她将这部作品中关于“复制与原创”的讨论带入教学,引导学生在掌握技法的同时,质问自我表达的真正起点。
在与华语音乐人 Jony J 合作的专辑《24时AM》中,她以旋转中的南京为视觉中心,建立起一套以色彩情绪为主轴、融合拼贴的视觉系统——从专辑封面、演唱会主视觉,到贴纸与快闪活动的延展设计,构建出城市节奏与少年心事之间的并置关系。这组插画在小红书与微博引发广泛讨论,观众纷纷猜测其中每个元素的象征意义。在课堂中,她也鼓励学生尝试类似的拼贴式叙事方法——将人物与城市、自然任意剪贴、重组,让每位观者都能获得属于自己的解读路径。
24时专辑封面
Jony J AM演唱会/满堂音乐节主视觉
图像语言,也能跨越文化与国界
林子菡还参与了多项国际出版合作。她为加蓬漫画家 Pahe 的自传漫画《La Vie De Pahe》第三册担任上色,该书即将在欧洲及中非法语国家出版。她以非洲雨林的绿、喀麦隆烈阳的土黄、巴黎地铁的灰为视觉基调,将迁徙、成长与文化张力融合于图像情绪之中。该作原以钢笔绘制,她负责整个上色阶段。
这一出版项目的工作形式也被她引入课堂实践中。她设计了“线稿–上色”的模拟项目:学生需先用钢笔完成线稿,再以墨水或水彩上色;要求线条与色彩必须彼此呼应、共同服务于叙事内容。这种作业既是创作训练,也是接近真实行业流程的体验。
教室之外,教育仍在发生
对林子菡来说,教学并不局限于教室,也不依赖课程表与评分体系。“创作本身就是教育的延伸。我希望我的作品像课堂一样,让人停下来,去思考,甚至改写一些想法。”她说。
如今,她持续在纽约开展教学与创作实践,培育新一代的插画家,同时拓展陶瓷、装置等跨媒介项目。无论是创作一张图,还是讲评一份作业,她始终保持同样的专注与敏感——因为在她看来,一张图不仅要“好看”,更重要的是它是否触动人心,是否在讲述某种真实的情绪。
“我不是为了表达自己,而是希望有人能在我的图像里,看见他们自己。”
（来源：点财网）
