中国画的多元创新时代

　　每个时代都有自身的文艺代表作。

　　上世纪60年代，江苏省国画院首任院长傅抱石先生，带领江苏画家进行了有名的二万三千里写生，用鲜新的中国画语言绘出了社会主义建设欣欣向荣的历史场景，并创立了闻名海内外的新金陵画派。今天，中国社会进入了完全崭新的时期，我们周围的一切都发生了翻天覆地的变化，艺术创作流派纷呈，在这样的背景下，如果画家们死守前辈留下的遗风肯定不行，必须在继承传统的基础上创新笔墨，才能重塑中国画的辉煌。

　　-周哲鸣

　　日前，由中国美协中国画艺委会和《国画家》杂志主办、天津国金艺苑承办的“地域·风格—2007年《国画家》提名展”在北京画院美术馆落幕。本次展览邀请了15位来自全国不同地区、具有相当实力与个性的著名画家参展，共展出作品120件。中国美协中国画艺委会秘书长，著名美术理论家孙克先生担任此次展览的学术主持。参加此次展览的著名画家有杨启舆、王之海、马寒松、王振中、赵树松、陈芳桂、吉瑞森等。此次展出的100余件作品，充分显示出他们深厚的创作实力和严肃认真的创作态度，也显示出了中国画的魅力所在。

　　这些画家不同的文化背景和对中国画不同的理解使他们形成了各自鲜明的绘画风格，展示了不同的地域风采。中国文化丰富深厚，中国画艺术在其发展过程中呈现出鲜明的地域特色，也产生了诸多地域性流派，共同构成了一部完整的中国美术史。但是，当代画坛在现代资源共享的形势下，出现了地域特色削弱、风格样式趋同的创作倾向。因此，学术主持人孙克说：“本次展览目的在于弘扬个性，提倡多样化，促进中国画的健康发展。” 　　

　　瑰丽久远的历史

　　中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画—帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。到两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合，使这时的绘画又形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画亦在此时萌芽，同时对绘画自觉地进行理论上的把握，并提出品评标准。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟 ，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画则以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。

　　而中国画到了五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。尤其文人画的出现及其在后世的发展，更极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿 ，距离时代和生活愈去愈远。中国画自19世纪末以后，在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观念以及继承民族绘画传统的文化环境中出现了流派纷呈、名家辈出、不断改革创新的局面。

　　而19世纪以后，在政治、经济—特别是商业、文化发达的上海、北京、广州等中心城市，汇聚了一大批画家，即以上海为中心的江浙画家群，如刘海粟、潘天寿、张大千、傅抱石等；以北京为中心的北方画家群，如齐白石、蒋兆和、李可染等；以广州为中心的岭南画家群，如高剑父、何香凝、赵少昂、黄君璧等人。随着形势的变化和时代的更迭，这些地区的画家亦有流动，如

抗日战争时就有许多画家来到西南地区，1949年后又有许多画家如张大千、黄君璧、赵少昂等人移居国外和港台地区。现今全国大多数省市成立了画院，在3个中心之外，又出现了许多新的中心 ，画家队伍得到空前扩大。

　　自五四新文化运动以后，随着西方美术的大量引入和反封建斗争的深入，改革中国画已成为新的时代潮流。以

留学日本、欧美的刘海粟、徐悲鸿等人为代表，倡导将西方美术的写实及近代西方美术的创作观念与传统的中国画像融合，走出了一条改革、创新中国画的新路子，使传统的中国画焕发了新的生机。这些画家们用中国画的工具材料和西方现代艺术的形式、观念等表现中国画传统的诗情与境界等等，均取得了重要成就。

　　中国画的审美

　　当代中国，随着物质文明的发展和精神文化生活的提高，中国画这一优秀的传统艺术得到了前所未有的发展，被世人所喜欢，并为爱好者收藏。但就目前来说却有许多人用西洋画的鉴赏方法来品赏中国画，这是一种误导。

　　生活是一切造型艺术创作的源泉。中西方艺术创作都必须深入生活，但两者在观察和认识事物的方法上却截然不同。中国画画家都是在一定的审美观点和创作思想的指导下去观察和表现生活的。中国画尤其重视的是概括、明确、全面、变化以及动的神情气势。它不以简单的“形似”为满足，而是用高度提炼强化的艺术手法，表现经过画家处理加工的艺术的真实。中国画在画面上所表现的形式，不外乎点线面三者。画面上虽然三者均相互配合应用，但用以表现画面上的基本形象，还是以墨线为主体。用线能最迅速灵活地捕捉一切物体的形象，而且用线来划分物体形象和界线，最为明确和概括。又因中国画所使用的水与墨能在宣纸上形成极其丰富的枯湿浓淡之变，既极其丰富复杂，又极其单纯概括。从艺术性上来讲，中国画的用色力求单纯概括，更有自然界的真实色彩所不及处。中国画非常重视强调诗、书、画、印并用成为一个完美的艺术整体，使画面丰富而有变化，为中国画特有的形式美。

　　而中国画的精髓就是不但要把事物的形神传达给观众，更重要的是画家把创作主体的思想感情也传染给观众，因此中国绘画艺术在观察事物时总是“感情用事”。用强烈的感情去感受生活，所谓“登山则情满于山，观海则意溢于海”。这就是说观察生活时首先需要画家自己具有真挚的感情、饱满的热情，以及浓郁的兴趣，而不是作冷冰冰的无动于衷的旁观。而西画观察事物只限于对象的形、色、明、暗，它受时间、空间的限制。中国画却相反，我们的先辈创造了许许多多的观察方法：如冷暖观、动静观、面面观、前后观、上下观、表里观，以大观小、以小观大、无所不观等方法。这些观察方法都是呈散点状、移动状，没有固定的视点和视线。对对象进行多方位的观察，然后综合所看到的事物在脑海里的印象，寓情于景，达到情景交融，借景抒情的境界，这也是中国绘画所要追求的最高目的。

　　现代中国画的创新

　　曾有位江苏籍画家说，“创新”这一词汇在美术界出现的频率远远高于其他词汇。但“创新”究竟是一个什么样的概念，恐怕很多人都难以表达清楚。艺术的“创新”首先是一个观念的问题。

　　随着绘画内容和形式的不断演变和发展，活跃在当代画坛的画家们一直在寻求新的表现形式和方法，这是绘画发展的必然。毕竟社会在发展，我们今天的文化也不等同于明、清时期的文化，创新不可避免地成为当今美术发展的主流。

　　对此，江苏省国画院院长赵绪成认为，中国画“多元创新”的发展状态，是中国从

传统文化形态向现代文化形态转型的必然结果。过去，中国画也在不断创新，但其主流是“继承创新”，而现在嫁接创新、造化创新、心源创新……各种创新类型共存，构成了丰富多样的美术生态圈。而“多元创新”更成了当代中国水墨画最鲜明、最主要的特点。

　　在经济全球化时代，艺术越是民族的，才越是世界的。有人担心：创新的中国画会被淹没在世界艺术的大海中。对此我认为，中国画创新在张扬画家个性的同时，还要以现代先进气象为目标、以民族气象为立场，只要你画出了既好又有中国味的东西，人家自然服你。但保持民族性决不意味着因循守旧。

　　从血管里喷出的是血，从水管里流出的都是水，艺术的真情与胆识从来不可伪饰。自古以来，绘画创新一直是画家通向成功的惟一出路，但同时也是一条艰难曲折的道路。历史上有成千上万的画家在这条路上摔倒，就算有成就的画家，往往也都是耗尽了大半生的精力才获得成功。这足以证明绘画创新的艰难程度。

　　而传统就像一棵大树的主干，一切创新的个体或流派是它的无数分枝，它们一方面从主干吸取营养，一方面又从外界得到阳光和雨露，从而成长一棵葱郁繁茂的参天大树。

　　所以，我们完全有理由相信，中国画的创新之路必会在这个海纳百川的时代迈出精采一步。 -